Dos detectives llamadas Cecilia Bartoli y Donna Leon
Agostino Steffani (Castelfranco Veneto, 1654-Fráncfort, 1728) es un personaje “curiosísimo” del que se sabe muy poco aunque todo es “jugoso”. Nació en una familia noble italiana. Creció y se educó en Padua y comenzó su carrera musical en el coro de la Basílica de San Marco de Venecia (probablemente fue castrato), y desde allí fue contratado por el Conde Tattenbach para viajar a Múnich, donde completó su educación. Publicó su primera obra, «Psalmodia vespertina», en 1674. Fue nombrado organista de la corte y en 1680 ordenado sacerdote. Un año después escribió su primera ópera «Marco Aurelio». En 1692 fue enviado a varios principados alemanes en condición de diplomático, tarea gracias a la cual Inocencio XI lo consagró obispo de Spiga. Llegó a ser nuncio apostólico en la Corte protestante del Norte, e incluso espía y urdidor de matrimonios reales (participó en las maniobras diplomáticas para casar a Max Emanuel). Bartoli cree que Steffani es un genio olvidado, un puente entre Monteverdi y Bach y Haendel, cuya música describe como “espiritual sin ser necesariamente sacra, una música dulce, virtuosa, llena de pasión, emoción y color”
Por su parte, Donna Leon, admiradora y amiga de Bartoli, amante de la música antigua y una de las autoras de novela negra de mayor éxito, confiesa haber sentido una enorme atracción por un personaje como Steffani, paradójico y de grandes contrastes. La escritora ha insistido en que no ha querido escribir una “novela histórica”, “de capa y espada”, sino “traer a 2012” el misterio de su vida desentrañado por una musicóloga. Sobre Steffani: “si escuchas cuatro arias nunca sabrías que son del mismo compositor, es alucinante […] Si tienen perro habrán comprobado que si le ponen comida en la mano, él va a la mano. Eso me pasó con la propuesta de Cecilia cuando me habló de Steffani. No sabíamos si era un “castrati” o espía en el Vaticano. Me entró curiosidad y apetito. Pensé que era una buena idea hacer algo en conjunto. Aquello que estábamos descubriendo merecía la pena».
Para Bartoli fue una sorpresa descubrir su obra: «Dieciséis óperas, variedad de arias y los duetos de piano. Cada vez que hallaba algo nuevo llamaba a Donna». Ella, por su parte, se preguntaba qué le podía interesar: «No sabía nada. ¿Era un “castrati”? Parece que tenía el respeto de una sociedad machista. Algunos de ellos triunfaban, como Farinelli, que era el Mick Jagger del momento». Y Bartoli prosigue: «No hay prueba de sus relaciones, ni masculinas ni femeninas. Vivía en soledad, aunque trabajó en palacio como maestro de música y manejaba muchos secretos. La pregunta es, ¿cómo se puede entender que después de 300 años no se conozca una música tan maravillosa?».
Youfest
Los años 60 y el beat británico: The Beatles
El beat fue un
género nacido en el Reino Unido, concretamente en la ciudad de Liverpool, a
comienzos de los años 60. La formación beat clásica la componían las guitarras,
el bajo eléctrico y la batería.
Es importante también la presencia de coros vocales con sílabas onomatopéyicas.
Los grupos beat tocaban inicialmente temas de rock and roll y R&B hasta que
poco a poco se fueron definiendo con un estilo propio que supondrá el
nacimiento de lo que hoy conocemos como pop.
Si el Cotton Club o el Minton´s Playhouse habían sido lugares míticos del
swing o el bebop, The Cavern Club lo sería de la generación beat. Ahí fue donde
se presentó la que hoy podemos considerar como una de las bandas más
influyentes del siglo XX: The Beatles.
historia…
constituyó en 1962 y tras varias composiciones acabó estando formada por el
conocido como Cuarteto de Liverpool: John Lennon (guitarra rítmica,
pianista y vocalista), Paul McCartney (bajo, vocalista y pianista), George
Harrison (guitarrista solista, vocalista) y Ringo Starr (batería y vocalista). Empezaron
haciendo R&B y Rock and Roll y pronto evolucionaron hacia la balada pop y
el rock psicodélico. Su primer éxito fue Love me do y a partir de ahí su
popularidad no dejó de crecer hasta 1970, año en el que se disolvieron. Los
últimos cuatro años se dedicaron en exclusiva a hacer grabaciones de estudio
creando algunos de sus mejores materiales, como su álbum Sgt. Pepper´s Lonely
Hearts Club Band (1967), considerado por muchos como una obra maestra.
George Martin fue una pieza clave en lanzamiento de los Beatles, cuyo álbum
debut, Please, please me llegaría en 1963 con éxitos como She loves
you, sencillo que llegó a vender 750.000 copias en cuatro semanas. Con la
llegada de su segundo LP, With the Beatles, la carrera del cuarteto de
Liverpool y la Beatlemanía estaban lanzadas.
desembarcaron con su primera gira en EEUU y tuvieron un encuentro crucial con
Bob Dylan, influyéndose mutuamente. En ese año filmaron su primera película, A
Har Day´s Night. Un año más tarde tomarían contacto con el LSD, una droga
que junto al cannabis formó parte de la formación hasta su disolución.
su segunda película, Help! Dirigida también por Richard Lester como la
anterior, a cuya banda sonora pertenece la canción más versionada de la
historia, Yesterday. Publican también Rubber Soul, un disco que
fue excelentemente acogido por la crítica y considerado como una salto de
madurez y complejidad.
llegó Revolver y con él la incursión en el rock psicodélico y la
experimentación. Temas como Tomorrow never knows o Eleanor Rigby,
con un octeto de cuerda, son considerados híbridos musicales en los que no se
reconoce ningún género musical. Sería a partir de noviembre de ese año cuando
comenzaron a grabar la que por muchos es considerada su obra maestra, el álbum Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club
Band, al que
dedicaron más de 700 horas de trabajo en el estudio utilizando técnicas de
grabación muy novedosas. El Sgt. Pepper no fue sólo rompedor por su música:
todo en ese LP era rompedor, desde las letras hasta la misma portada, (Grammy a
la mejor portada del año) en la que aparecen varias decenas de celebridades. La
muerte del productor Brian Epstein marcaría el comienzo del final de la banda.
En 1968 sacaron el White Album, muy
influenciado por su estancia en la India y mal acogido por la crítica. En 1969
terminarían de grabar su último álbum, Let it be, y en 1970 los Beatles
se separan definitivamente.
Blackbird
Blackbird por The King Singers
Estilo musical
El estilo musical de los Beatles es la suma de muchos
talentos e influencias. A continuación analizaremos los distintos elementos de
su estilo musical:
valorar las aportaciones de cada uno de los cuatro componentes. Destaca por
encima de todo el contraste Lennon / McCartney, el primero sedentario, irónico,
tendente a las melodías repetitivas y los intervalos disonantes; el segundo,
extrovertido, optimista, gran melodista y compositor de oficio cuyo talento no
dejo de evolucionar con los años. Por
otro lado, Harrison aportaba calidad y texturas interesantísimas con su
guitarra solista (y algunas melodías completamente diferentes a las compuestas
por sus compañeros y muy influenciadas por la cultura oriental) mientras Starr,
con su presencia sutil de apoyo rítmico, acabaría por convertirse en el padre de la batería del pop/rock moderno. Por
último está el papel del llamado quinto beatle, el productor George
Martin, que siempre supo interpretar las locuras de la banda y actuó como
estabilizador del grupo. Además, sus aportaciones musicales fueron
fundamentales, especialmente en el Sgt. Pepper. Por otro lado, los Beatles
hicieron un uso muy innovador de la tecnología en el estudio de grabación,
exigiéndole a los técnicos una continua experimentación.
es una de sus principales características. El grupo paso por el rock and roll,
el hard rock, el rock psicodélico y experimental, la balada pop, la música de
la India, el jazz y hasta la música clásica. Esta mixtura, junto a las
influencias de sus contemporáneos y del mismo George Martin, convirtieron su
música en un crisol de estilos extremadamente rico.
vocales. Los Beatles cantaban a dos y tres voces, a veces generando armonías
muy disonantes. En ocasiones utilizaban las voces como pregunta y respuesta o,
dentro de la narrativa de las canciones, completando el discurso de la voz
principal. Armónicamente, y aun utilizando acordes comunes, innovaron mucho en
la forma de hacer sus progresiones (secuencias de acordes), convirtiéndose éstas
en un rasgo distintivo de su música.
rompieron frecuentemente con la regularidad de las frases. Utilizaron mucho los
ritmo irregulares, las síncopas o los cambios de tiempo.
aspectos más innovadores de la obra de los Beatles es el tratamiento individual
que le dan a cada una de sus canciones, haciendo de cada una un mundo aparte,
una entidad en sí. Ésto se logró gracias en gran medida a la originalidad de
sus letras: los Beatles no sólo eran buenos músicos, también fueron escritores
de letras sensacionales.
la banda de Liverpool fue la viva imagen de su generación: el movimiento
hippie, las drogas alucinógenas, la psicodelia, la meditación trascendental de
la India, los movimientos juveniles, el pacifismo contra la Guerra del Vietnam,
etc. Todos estos elementos están en su música y de ahí que podamos afirmar que fueron
parte integral de la naciente cultura pop. Sin duda, su obra supone un hito en
la historia y su impacto ha trascendido las barreras del tiempo y el espacio
convirtiéndose en un verdadero icono, en una música digna de estudio y admiración.
J.S. Bach dirigiendo mi salón…
Escuchando cuadros
España fue cuna de grandes violeros (constructores de instrumentos de cuerda) que no sólo construían instrumentos para las élites sino también para las clases populares. Fue una época en la que se experimentó mucho en este campo y no son pocos los ejemplos en los que nos encontramos híbridos muy extraños cuyo sonido es difícil de predecir. Si tenemos en cuenta que no fue hasta muchos siglos después cuando se empezaron a grabar los primeros sonidos, os podéis imaginar que nos encontramos ante un apasionante enigma al que han tratado de dar respuesta múltiples investigaciones.
Sin duda, la iconografía (la descripción e interpretación de las imágenes) ha sido la principal fuente de información para imaginarnos como eran los instrumentos que tocaban nuestros antepasados. Cuadros, retablos o pórticos han aportado una información valiosísima en la que se han apoyado los violeros modernos para reproducir estos instrumentos y darles vida nuevamente. Uno de los espacios más fascinantes en este sentido es el Pórtico de la Gloria de la Catedral de Santiago de Compostela (anterior al estudio que os citaba al principio), una auténtica orquesta medieval esculpida en piedra por el gran Maestro Mateo. Os dejo dos enlaces muy interesantes para descubrir estos instrumentos: fotos AQUÍ y una interesantísima presentación interactiva AQUÍ.
Musas, música, museos no pretende sólo reconstruir los instrumentos sino, como no podía ser de otra forma, hacerlos sonar. En una reconstrucción así se invierten muchas horas en investigación en las que no sólo se estudian a fondo las imágenes sino que se busca información en otras fuentes como pueden ser las referencias literarias o las instrucciones y ordenanzas del gremio de violeros. A partir de toda esa información se reconstruyen los instrumentos que luego sonarán en conciertos públicos frente a los lienzos de los que salieron. La idea de los musicólogos que le están dando forma a este proyecto es crear un “fondo de sonidos puros”, una especie de biblioteca sonora para deleite de los amantes de la música medieval y renacentista, vamos, una maravilla…(Ver noticia)