Del estilo antiguo al moderno
Como sabes, la textura predominante en el renacimiento era la textura polifónica. Cuando se empezó a dar más importancia al texto en la transición del siglo XV al XVI, la polifonía se fue simplificando para hacer más fácil de entender el significado de las letras. Nace así la conocida como “nueva monodía”, monodía acompañada o también melodía acompañada, la textura predominante hasta nuestros días.
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Giulio Caccini: Amarilli mia bella / Philippe Jaroussky, contratenor
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En este retorno a la monodía no sólo se buscará que se entienda perfectamente el texto, sino que se pretenderá ampliar y reforzar las posibilidades expresivas del mismo. Durante el barroco, en esta textura tendremos una melodía principal interpretada por la voz o un instrumento solista, y un acompañamiento instrumental creado por el bajo continuo (+INFO) , en el que la armonía se pondrá al servicio del texto. El bajo continuo proporcionó la herramienta adecuada para hacer posible el despliegue de la melodía sin renunciar a la expresividad que proporcionaba el soporte armónico.
La monodía acompañada por el bajo continuo fue percibida muy pronto como una revolución en toda regla, como un estilo nuevo capaz de rivalizar con el antiguo estilo polifónico. En cualquier caso, el nuevo estilo no remplazó al antiguo, sino que ocupó un nuevo espacio: el estilo antiguo predominará en la iglesia y seguirá siendo cultivado por los maestros de capilla, mientras el estilo moderno se desarrollará en el teatro y sus autores serán un nuevo tipo de compositor que deberá desarrollar su oficio con los altibajos derivados del éxito y las modas.
En cuanto a la música instrumental, los instrumentistas encontraron en el bajo continuo un poderoso medio para liberar sus instrumentos de las restricciones del contrapunto y desarrollar el virtuosismo técnico. El violín recibirá un enorme impulso de este desarrollo en Italia, alcanzando en unas pocas décadas el protagonismo por el que se le conoce hoy en día.
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Antonio Vivaldi: Las Cuatro Estaciones (Verano) / María Dueñas
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Italia se convertirá en el país más influyente. El hecho de que los músicos italianos estuvieran presentes en la mayoría de las cortes europeas durante los siglos XVII y (sobre todo) XVIII explica que aún hoy en día buena parte del lenguaje musical internacional sea italiano.
…para cantar: aria y recitativo
Un aria, del italiano aria (“aire”), es una pieza musical creada para ser cantada por una voz solista sin coro. El corazón del aria es, por tanto, la melodía, que suele ser muy expresiva y con carácter cantabile. En el S.XVII, las arias estaban compuestas en su mayoría en compás ternario, y poseían un acompañamiento de continuo con ritornellos instrumentales entre los versos. La forma musical utilizada podía ser binaria o ternaria. A principios del S.XVIII, el acompañamiento de continuo va desapareciendo. En esta época se ponen de moda las arias de grandes dimensiones, como el aria da capo.
En las óperas, las arias tienen un carácter lírico, no narrativo, es decir, se usan para expresar emociones y no para narrar hechos del relato. Esa función la hacen los recitativos, más cercanos al lenguaje hablado, y con un acompañamiento mucho más reducido. El recitativo no se mide al cantar, tan solo el acento dirige la lentitud o rapidez de los sonidos, así como su elevación o descenso. Escucha el siguiente ejemplo:
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L´Orfeo (recitativo secco) / Claudio Monteverdi
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El aria da capo es un tipo de aria que aparece en la música barroca y que se caracteriza por su forma ternaria: ABA. A es el tema principal con sus ornamentos. B es el tema secundario y A es la repetición del tema original, pero con las variaciones e improvisaciones personales del solista. Como la mayoría de las arias, también son interpretadas por un solista acompañado por instrumentos.
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…para tocar
MÚSICA DE DANZA
La suite
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La suite es una forma compleja (varios movimientos) compuesta por la sucesión de danzas de distinto carácter. Es el resultado de la evolución de la música de danza renacentista que ya asociaba parejas de bailes de distinto ritmo y movimiento o tempo. El número y la disposición de las danzas puede ser muy variable. El esquema básico de la suite barroca agrupaba cuatro danzas principales: la allemande alemana, la courante francesa, la zarabanda española y la giga inglesa. Otras piezas que completarán la suite son: la bourré, el minué, la musette, el capricho, etc. Todas estas danzas se distinguen por un ritmo característico, pero comparten la estructura binaria, compuesta por dos secciones repetidas según el esquema A A B B. Veamos las características de las cuatro danzas principales:
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Allemande: Literalmente, alemana. Es la pieza que se coloca en primer lugar siempre que no haya un preludio inicial. Su tiempo es moderado y está inicialmente en compás de 2/4 (pasará después a 4/4). Posee una forma binaria y su característica más importante es el inicio en anacrusa.
Courante: Literalmente, que corre. Esta pieza de movimiento rápido está en compás ternario y es totalmente contrastante con la Allemande. Suele iniciar en anacrusa y su forma es binaria, similar a la Allemande.
Zarabanda: De movimiento lento y escrita en compás de 3/4, su origen se centra en España durante el S.XVI, pasando a Italia a principios del S.XVII gracias al repertorio de obras para guitarra española. Posee una forma binaria, y en sus melodías son frecuentes todo tipo de adornos habituales en el barroco.
Giga: De origen inglés, movimiento vivo y compás de 3/8, 6/8, 9/8 y 12/8. A finales del S.XVII existían dos tipos de gigas: la giga francesa, de movimiento rápido, compás de 3/8 o 6/8, con frases irregulares y estilo imitativo; y la giga italiana, más rápida, en compás de 12/8, con frases regulares y estilo homofónico.
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El concerto
Como forma musical, el concerto nació en el Barroco. Se convirtió en la forma instrumental idónea para la exhibición del virtuosismo por parte de uno o varios instrumentos. Normalmente tenía tres movimientos contrastantes en los que el primero y el último solían ser más rápidos que el movimiento central.
Primero apareció en Italia el concerto grosso que se basaba en la contraposición entre un pequeño grupo de solistas (concertino) y la orquesta completa (tutti o ripieno). Uno de los mayores compositores fue Arcángelo Corelli.
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Concerto grosso op.6, nº8 / Corelli
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Concierto de Brandenburgo No. 2 / J.S. Bach
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Años después el compositor Antonio Vivaldi consolidaría el concerto per soli en el que estableció un diálogo entre un solo solista y la orquesta. El concierto solista se expandió rápidamente por Europa y con el tiempo llegó a establecerse como el formato de concierto más duradero, capaz de perdurar (con adaptaciones) durante el Clasicismo y el Romanticismo hasta el siglo XX, mientras el concerto grosso caía en desuso ya a mediados del siglo XVIII, eclipsado por un nuevo género orquestal: La sinfonía.
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Concierto para flautín en Do mayor RV 443 – 1. Allegro / Vivaldi
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Para saber más
Epitafio del estilo antiguo
El estilo antiguo, la antigua ciencia de los polifonistas renacentistas, no desapareció durante la era barroca, sino que fue replegándose poco a poco. Para acercarnos a la polifonía contrapuntística en el barroco vamos a centrarnos en su forma más emblemática, la fuga, y en el que quizás sea el compositor más importante de la historia y último representante de este estilo: Johann Sebastian Bach.
La fuga
Una fuga es una forma simple (una sola sección) a varias voces basada en la imitación sistemática de un tema o sujeto, que se va alternando con temas secundarios (o “contrasujeto”) y con partes de imitación más libre (llamadas episodios).
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De Pokemon a Bach / Jaime Altozano
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¿Cómo sonaría una fuga de Bach en 8D / Jaime Altozano
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El caso Bach
Johann Sebastian Bach es, sin duda, uno de los grandes nombres de la historia de la música occidental. La razón de ello reside en parte en su absoluto dominio del contrapunto, que le permitió componer un gran número de obras de una originalidad y complejidad técnicas insuperables.
Bach realizó en su obra una síntesis de la música de los dos siglos que le antecedieron. Sin embargo, no fue ni un innovador ni tampoco un músico influyente en su tiempo. Como maestro de capilla, Bach desarrolló su trabajo en el ámbito religioso, viajó poco y sus obras no fueron publicadas en vida. Su obra más difundida fueron los 48 preludios y fugas de El clave bien temperado, que fueron circulando en copias manuscritas entre algunos músicos profesionales. A su muerte, su nombre fue olvidado casi por completo y no sería hasta que el músico romántico Felix Mendelssohn recuperara su Pasión Según San Mateo en 1829 cuando Bach se situaría como una de las figuras más importantes de la historia de la música.
Vamos a acabar este paseo por el barroco con la historia de una de sus últimas composiciones, la Ofrenda musical (o como reírse de todos con un regalo envenenado).
En 1747, cuando el rey Federico II de Prusia invitó al viejo Bach a su corte, el compositor alemán estaba ya muy mayor (murió en 1750) y su música era considerada muy anticuada y pasada de moda. Cuando se encontraron, Bach quiso demostrarle al rey que estaba lejos de estar acabado y le pidió que le retara con un tema musical sobre el que improvisaría una fuga directamente. El monarca era un buen músico y el tema que le ofreció fue tremendamente difícil. Sin embargo, Bach lo desarrolló con gran maestría, demostrando una vez más que en la composición a varias voces nadie podía superarlo. Improvisar una fuga a seis voces sin preparación podría compararse, por decir algo, a jugar con los ojos vendados sesenta partidas simultáneas de ajedrez y ganarlas todas.
A su vuelta a Leipzig, donde vivía, trabajó sobre el tema inventado por el rey y escribió piezas a tres y a seis voces, añadió varios pasajes artificiosos en forma estricta de canon, y le dedicó el conjunto de piezas al rey. Lo tituló Musikalisches Opfer (Ofrenda musical) que, junto a El arte de la fuga, puede considerarse el epitafio del estilo antiguo. Quién sabe si, en el ocaso de su vida, el gran maestro nos quiso regalar una serie de obras que sirvieran como modelos de composición para el futuro, o si, consciente de que su estilo y su vida estaban llegando a su fin, sólo pretendió dejarnos un testimonio de un mundo que se acababa.
Comienza el tema, lo desarrolla, compone un contratema y… Funciona en una dirección, en la contraria, los dos al mismo tiempo, en espejo… ¡Pero qué barbaridad! ¡Insuperable!
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Canon cangrejo. La ofrenda musical / J.S. Bach
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ACTIVIDADES INTERACTIVAS
LECTURA RÍTMICA
DICTADOS
4/4
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3/4
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DICTADO 1
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DICTADO 2
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DICTADO 3
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DICTADO 4
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DICTADO 5
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DICTADO 6
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DICTADO 7
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DICTADO 8
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PRÁCTICA INSTRUMENTAL
Materiales para los socratives
SOCRATIVE (I)
El renacer de la tragedia y por qué Bach desafinó a occidente
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SOCRATIVE (II)
Sobre cifras y texturas armónicas (repaso)
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SOCRATIVE (III)
De Pokemon a Bach. Una historia de VOCES
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SOCRATIVE (IV)
¿A qué suena un granjero borracho?
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SOCRATIVE (V)