La sinestesia: ¿un problema o una virtud?

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“Uno de los grandes dramas de mi vida consiste en decirle a la gente que veo colores cuando escucho música, y ellos no ven nada, nada en absoluto. Eso es terrible. Y ellos no me creen. Cuando escucho música  yo veo colores. Los acordes se expresan en términos de color para mí. Estoy convencido de que uno puede expresar esto al público.”
Oliver Messiaen

¿Puede ser amarillo un sonido? ¿Puede provocarnos frío un olor? ¿Puede algo tener un sabor puntiagudo? Pues si, si eres un sinesteta. Pero… ¿qué es la sinestesia? Esta facultad es descrita por los neurólogos como una comunicación anómala entre áreas cerebrales, un “cruce de cables” que lleva a algunas personas a experimentar sensaciones en un determinado sentido (por ejemplo, el oído) cuando se estimula otro (pongamos, el tacto). Es decir, que pueden ver formas geométricas de colores cuando escuchan una canción, por ejemplo. Y no, no es fruto de su imaginación. Lo sienten de verdad.


Dependiendo de los sentidos que se crucen hablamos de distintos tipos de sinestesias. Los individuos sinestésicos suelen tener gran memoria visual y mayor coeficiente intelectual que la media, ser zurdos o ambidiestros y muy imaginativos. Respecto a la música, que es lo que nos interesa, la particularidad de los músicos sinestésicos es su capacidad de asociar tonalidades musicales con colores (incluso notas aisladas, acordes o timbres, vocales o instrumentales); padecen, o disfrutan, una sinestesia auditivo-visual.

Este fenómeno, relativamente raro, es más frecuente en artistas y personas creativas en general, lo que podría hacer pensar que quienes poseen esta particularidad tienen un mayor potencial creador. En este caso, cabría interpretarla como una facultad, una capacidad, una virtud o un don. De hecho, la mayoría de los sinestetas están contentos con su condición. Imaginad lo alucinante que debe ser acudir a un concierto y no sólo escuchar la música, sino ¡poder contemplarla!. Entre los compositores sinestésicos destacan Alexander Scriabin y Olivier Messiaen (probablemente también lo fueran Franz Liszt y Nicolai Rimsky-Korsakov). Messiaen llegó a decir que la relación color-sonido era el factor más importante en la creación musical, por encima del ritmo que, previamente, había considerado el elemento fundamental.

Resulta interesante que un aparente cruce de cables cerebral acabe cruzando también a las disciplinas artísticas. Quizás uno de los ejemplos más interesantes sea el del pintor ruso Kandinsky, uno de los precursores de la abstracción. Siempre sintió una enorme atracción hacia la música (¡escuchaba sus cuadros!) y de hecho a sus obras más ambiciosas las llamó Composiciones, una metáfora musical… Interesante ¿no? ;-) Os dejo con el comienzo de la película Fantasía, de Disney, un simulacro de sinestesia musical. 


¿Lang Lang + Nonstop + Chopin?

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¿Quién es Lang Lang? 


Escribir sobre la vida de Lang Lang podría convertirse en una larga lista de premios y reconocimientos, de grabaciones y conciertos con los mejores directores y en los lugares más prestigiosos. Sin embargo no es su impresionante trayectoria lo que más me atrae de este genial pianista, ni tan siquiera su calidad técnica e interpretativa (ambas incontestables). Para mi Lang Lang ha conseguido mucho más: llegar a un público joven e inspirar a millones de jóvenes pianistas. El 90 % de sus seguidores son menores de 20 años y su fuerte influencia cultural es innegable. Con tan solo 30 años ha conseguido convertirse no ya en el mejor pianista del mundo sino en uno de los más queridos y reclamados por todos los públicos. 



¿Quién es Marquese “Nonstop”?


Marquese Scott, conocido como Nonstop, es uno de los mejores break dance del mundo y el rey indiscutible del dubstep, una variante de la música electrónica. Yo no había oído hablar antes de él pero reconozco que me ha dejado impresionado. Marquese Scott lleva cerca de una veintena de años bailando pero saltó a la fama mundial tras ser descubierto por un promotor musical mientras bailaba a la salida de un cine. En los últimos tiempos se ha convertido en uno de esos fenómenos de Youtube sobre los que escribí en una entrada anterior (de hecho participó en el Youfest) y sus coreografías reciben millones de visitas. Baila como si no tuviera huesos, de forma ingrávida, con una libertad absoluta… Algunos de sus “bombazos” en Youtube son la versión que hace de uno de los temas de los Pumped Up Kicks o su sorprendente interpretación sobre la Gran Muralla China del tema de dubstep Dreamer (impresionante). 

¿Creéis que estos geniales artistas de estilos tan dispares pueden encontrarse en algún punto? Pues bien, el pianista ha convencido a Marquese para que protagonice el vídeo de promoción de su último disco, “The Chopin Album”, con el que el músico chino celebra sus 30 años. El vídeo está basado en la dinámica grabación de Lang Lang del Estudio Op. 25, No. 12 de Fréderic Chopin, incluido en su nuevo álbum, el primero que graba dedicado a las obras maestras del compositor polaco. Sobre su colaboración con Marquese, Lang Lang cuenta en el disco que quiso trabajar con él en cuanto le vio bailar en internet: “Reflexioné un rato sobre la opción musical correcta y creo que la música de Chopin es ideal para un tratamiento tan contemporáneo como el que él hace”. Para el bailarín trabajar con Lang Lang ha sido, asegura, “una experiencia asombrosa. Bailar música clásica ha sido un nuevo y apasionante desafío”. 


El encuentro entre Lang Lang, Marquese “Nonstop” y Chopin queda recogido en el siguiente vídeo, un ejemplo más de los extraordinarios resultados que pueden obtenerse a partir de la fusión de diferentes estilos y épocas. Insisto, hay que repensar la música clásica…  Mientras, os dejo con  “Ocean 12”.
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Comenzó el Taller Flamenco en 4º de ESO

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Este curso vamos a realizar un taller flamenco en 4º de ESO gracias a la ayuda de Rufino, director de nuestro IES, y Manuel, guitarrista y amigo, que nos hará el gran favor de acompañarnos con su guitarra todos los jueves a 2ª hora. En las dos primeras clases nos acercamos a los orígenes del flamenco y a los patrones rítmicos más importantes (la teoría podéis consultarla AQUÍ). Hoy, con la ayuda de Manuel, empezamos las clases prácticas con la introducción a dos de los palos más sencillos, las sevillanas y el fandango, ambos en ritmo ternario.  Iré grabando todas las clases para hacer después un resumen y compartirlo con todos. ¡Aquí tenéis la primera!

      Primera clase: introducción a las sevillanas y los fandangos

Yellow Lounge

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 ¿J.S. Bach junto a la música electrónica? ¿Por qué no? ¿Hemos matado la música clásica? Estoy completamente de acuerdo con Tristano cuando afirma que el formato del concierto clásico sigue siendo el mismo que hace cien o doscientos años y es cierto que, generalmente, mantenemos el mismo ritual y los mismos repertorios, y lo que es peor, seguimos enseñando la música en los conservatorios con ese formato como meta. Para el gran público, lo que se sale de ese marco no es “clásico”. Pero, ¿qué entendemos por “clásico”? La siguiente reflexión de Tristano me parece interesante: “Mi marco es 2012, no 1705, y en ese sentido le doy a todo lo que hago la visión de mi tiempo. La música clásica no existe. Mozart nunca escribió música clásica. Es una terminología que se inventó hace 250 años y desde entonces la arrastramos. Todo es clásico y no lo es. Escuchar y entender, nada más”. 

 

A mi me parecen interesantes las iniciativas que crean espacios de encuentro entre el antes y el ahora y creo que esa es la filosofía de las “Yellow lounge”, unas veladas “efímeras” en las que la música clásica invade el territorio de los DJ y el jazz, sin escenarios ni amplificación. Nacieron en Alemania promovidas por la prestigiosa discográfica Deutsche Grammophon y poco a poco se están extendiendo por distintos paises. En la primera que se celebró en nuestro país el pianista y compositor luxemburgués Francesco Tristano presentó su último trabajo, “Long Walk”, en el que muestra la relación entre la música de Dietrich Buxtehude y Johan Sebastian Bach. El inmenso músico alemán marcó un antes y un después en la historia de la música pero no surgió de la nada. Siendo joven, en 1705, hizo un viaje para conocer al compositor y organista Dieterich Buxtehude cuyas piezas influenciaron mucho al genio de Leipzig. Una de ellas, “La Capricciosa”, influyó decisivamente en las variaciones Goldberg, una de las creaciones de Bach que más me han marcado en mi vida, las variaciones que lanzaron y cerraron la carrera del polémico Glenn Gould, mi pianista fetiche del que también se declara admirador Tristano, coincidencias sobre las que escribiré en el próximo post… ¡Os dejo con Francesco Tristano!
 
 


Flashmob

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Dos detectives llamadas Cecilia Bartoli y Donna Leon

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La “diva” Cecilia Bartoli y la súperventas de novela negra estadonidense Donna Leon se han puesto de acuerdo para escribir la partitura –“Mission”– y el libreto –“Las joyas del paraíso”– de la apasionante y misteriosa vida del compositor, obispo y “espía honesto” del Vaticano Agostino Steffani, muerto hace casi 300 años. Ambas, Bartoli y Leon, presentaron recientemente en un hotel de Madrid un proyecto que inició Bartoli “hace años” y en el que embarcó “de forma natural” a la creadora del comisario Brunetti. Sobre la relación entre el libro y el CD, Leone afirma que  “no se trata, desde luego, de una audioguía, pero existen evidentes paralelismos entre los dos proyectos, que aspiran al rigor histórico pero que no renuncian a un cierto margen de libertad para arrojar luz sobre algunos aspectos de su vida.” Pero… ¿de quién estamos hablando?

Agostino Steffani (Castelfranco Veneto, 1654-Fráncfort, 1728) es un personaje “curiosísimo” del que se sabe muy poco aunque todo es “jugoso”. Nació en una familia noble italiana. Creció y se educó en Padua y comenzó su carrera musical en el coro de la Basílica de San Marco de Venecia (probablemente fue castrato), y desde allí fue contratado por el Conde Tattenbach para viajar a Múnich, donde completó su educación. Publicó su primera obra, «Psalmodia vespertina»,  en 1674. Fue nombrado organista de la corte y en 1680 ordenado sacerdote. Un año después escribió su primera ópera «Marco Aurelio». En 1692 fue enviado a varios principados alemanes en condición de diplomático, tarea gracias a la cual Inocencio XI lo consagró obispo de Spiga. Llegó a ser nuncio apostólico en la Corte protestante del Norte, e incluso espía y urdidor de matrimonios reales (participó en las maniobras diplomáticas para casar a Max Emanuel). Bartoli cree que Steffani es un genio olvidado, un puente entre Monteverdi y Bach y Haendel, cuya música describe como “espiritual sin ser necesariamente sacra, una música dulce, virtuosa, llena de pasión, emoción y color”

Por su parte, Donna Leon, admiradora y amiga de Bartoli, amante de la música antigua y  una de las autoras de novela negra de mayor éxito, confiesa haber sentido una enorme atracción por un personaje como Steffani, paradójico y de grandes contrastes. La escritora ha insistido en que no ha querido escribir una “novela histórica”, “de capa y espada”, sino “traer a 2012” el misterio de su vida desentrañado por una musicóloga. Sobre Steffani: “si escuchas cuatro arias nunca sabrías que son del mismo compositor, es alucinante […] Si tienen perro habrán comprobado que si le ponen comida en la mano, él va a la mano. Eso me pasó con la propuesta de Cecilia cuando me habló de Steffani. No sabíamos si era un “castrati” o espía en el Vaticano. Me entró curiosidad y apetito. Pensé que era una buena idea hacer algo en conjunto. Aquello que estábamos descubriendo merecía la pena».

  Para Bartoli fue una sorpresa descubrir su obra: «Dieciséis óperas, variedad de arias y los duetos de piano. Cada vez que hallaba algo nuevo llamaba a Donna». Ella, por su parte, se preguntaba qué le podía interesar: «No sabía nada. ¿Era un “castrati”? Parece que tenía el respeto de una sociedad machista. Algunos de ellos triunfaban, como Farinelli, que era el Mick Jagger del momento». Y Bartoli prosigue: «No hay prueba de sus relaciones, ni masculinas ni femeninas. Vivía en soledad, aunque trabajó en palacio como maestro de música y manejaba muchos secretos. La pregunta es, ¿cómo se puede entender que después de 300 años no se conozca una música tan maravillosa?».

Fuentes: RNE y Diario El Mundo

Youfest

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 Pincha en la imagen para ir al sitio oficial
Youfest: ¿una nueva forma de cultura popular o solo un evento friki? Podríamos debatir largo y tendido sobre los efectos que Internet está teniendo sobre el mercado de la música pero lo que es indudable es que lo está transformando. Youfest ha sido el primer festival dedicado a la generación Youtube, a esos artistas que empezaron colgando un video y hoy reciben millones de visitas. Muchos de ellos son conocidos por todos pero la mayoría no se conocían entre si. El 28 y 29 de septiembre se unieron en Madrid desde los músicos callejeros que nos sorprendieron con su interpretación de Stand by me gracias al proyecto Playing for Change hasta hitos de la red como Paul Potts, el inglés que logró hacerse un hueco en el mundo de la ópera o Rodolfo Burgos, más conocido como Shakiro, muy popular por la imitación que hace de la famosa cantante. Pero no todos son frikis extravagantes… Artistas como Justin Bieber o la banda Vázquez Sounds alcanzaron sus primeros contratos gracias al éxito de sus videos. 
Desde mi punto de vista, internet es una inmensa oportunidad para cualquiera que tenga talento pero al mismo tiempo exige del consumidor musical una mayor formación y sentido crítico, una mayor capacidad de filtrar todo lo que nos llega, porque es mucho y la calidad no abunda… En cualquier caso, para mi, positivo siempre…

Los años 60 y el beat británico: The Beatles

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Os dejo por aquí los últimos materiales que estoy preparando para 4º de ESO…

El beat fue un
género nacido en el Reino Unido, concretamente en la ciudad de Liverpool, a
comienzos de los años 60. La formación beat clásica la componían las guitarras,
el bajo eléctrico y la batería.
Es importante también la presencia de coros vocales con sílabas onomatopéyicas.
Los grupos beat tocaban inicialmente temas de rock and roll y R&B hasta que
poco a poco se fueron definiendo con un estilo propio que supondrá el
nacimiento de lo que hoy conocemos como pop. 
Si el Cotton Club o el Minton´s Playhouse habían sido lugares míticos del
swing o el bebop, The Cavern Club lo sería de la generación beat. Ahí fue donde
se presentó la que hoy podemos considerar como una de las bandas más
influyentes del siglo XX: The Beatles.  


       The Beatles

      Algo de
historia…

La popular banda se
constituyó en 1962 y tras varias composiciones acabó estando formada por el
conocido como Cuarteto de Liverpool: John Lennon (guitarra rítmica,
pianista y vocalista), Paul McCartney (bajo, vocalista y pianista), George
Harrison (guitarrista solista, vocalista) y Ringo Starr (batería y vocalista). Empezaron
haciendo R&B y Rock and Roll y pronto evolucionaron hacia la balada pop y
el rock psicodélico. Su primer éxito fue Love me do y a partir de ahí su
popularidad no dejó de crecer hasta 1970, año en el que se disolvieron. Los
últimos cuatro años se dedicaron en exclusiva a hacer grabaciones de estudio
creando algunos de sus mejores materiales, como su álbum Sgt. Pepper´s Lonely
Hearts Club Band (1967), considerado por muchos como una obra maestra.
Love me do
El productor
George Martin fue una pieza clave en lanzamiento de los Beatles, cuyo álbum
debut, Please, please me llegaría en 1963 con éxitos como She loves
you, sencillo que llegó a vender 750.000 copias en cuatro semanas. Con la
llegada de su segundo LP, With the Beatles, la carrera del cuarteto de
Liverpool y la Beatlemanía estaban lanzadas. 

She loves you 

 
En 1964
desembarcaron con su primera gira en EEUU y tuvieron un encuentro crucial con
Bob Dylan, influyéndose mutuamente. En ese año filmaron su primera película, A
Har Day´s Night. Un año más tarde tomarían contacto con el LSD, una droga
que junto al cannabis formó parte de la formación hasta su disolución.

 En 1965 hacen
su segunda película, Help! Dirigida también por Richard Lester como la
anterior, a cuya banda sonora pertenece la canción más versionada de la
historia, Yesterday. Publican también Rubber Soul, un disco que
fue excelentemente acogido por la crítica y considerado como una salto de
madurez y complejidad. 

Help 
Yesterday




En el año 1966
llegó Revolver y con él la incursión en el rock psicodélico y la
experimentación. Temas como Tomorrow never knows o Eleanor Rigby,
con un octeto de cuerda, son considerados híbridos musicales en los que no se
reconoce ningún género musical. Sería a partir de noviembre de ese año cuando
comenzaron a grabar la que por muchos es considerada su obra maestra, el álbum Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club
Band, al que
dedicaron más de 700 horas de trabajo en el estudio utilizando técnicas de
grabación muy novedosas. El Sgt. Pepper no fue sólo rompedor por su música:
todo en ese LP era rompedor, desde las letras hasta la misma portada, (Grammy a
la mejor portada del año) en la que aparecen varias decenas de celebridades. La
muerte del productor Brian Epstein marcaría el comienzo del final de la banda.

Eleanor Rigby

En 1968 sacaron el White Album, muy
influenciado por su estancia en la India y mal acogido por la crítica. En 1969
terminarían de grabar su último álbum, Let it be, y en 1970 los Beatles
se separan definitivamente. 
Blackbird
Blackbird por The King Singers

       Estilo musical



El estilo musical de los Beatles es la suma de muchos
talentos e influencias. A continuación analizaremos los distintos elementos de
su estilo musical:
1)  Empecemos por
valorar las aportaciones de cada uno de los cuatro componentes. Destaca por
encima de todo el contraste Lennon / McCartney, el primero sedentario, irónico,
tendente a las melodías repetitivas y los intervalos disonantes; el segundo,
extrovertido, optimista, gran melodista y compositor de oficio cuyo talento no
dejo de evolucionar con los años.  Por
otro lado, Harrison aportaba calidad y texturas interesantísimas con su
guitarra solista (y algunas melodías completamente diferentes a las compuestas
por sus compañeros y muy influenciadas por la cultura oriental) mientras Starr,
con su presencia sutil de apoyo rítmico,  acabaría por convertirse en el  padre de la batería del pop/rock moderno. Por
último está el papel del llamado quinto beatle, el productor George
Martin, que siempre supo interpretar las locuras de la banda y actuó como
estabilizador del grupo. Además, sus aportaciones musicales fueron
fundamentales, especialmente en el Sgt. Pepper. Por otro lado, los Beatles
hicieron un uso muy innovador de la tecnología en el estudio de grabación,
exigiéndole a los técnicos una continua experimentación.  
2)  El eclecticismo
es una de sus principales características. El grupo paso por el rock and roll,
el hard rock, el rock psicodélico y experimental, la balada pop, la música de
la India, el jazz y hasta la música clásica. Esta mixtura, junto a las
influencias de sus contemporáneos y del mismo George Martin, convirtieron su
música en un crisol de estilos extremadamente rico.
3)  Uso de armonías
vocales. Los Beatles cantaban a dos y tres voces, a veces generando armonías
muy disonantes. En ocasiones utilizaban las voces como pregunta y respuesta o,
dentro de la narrativa de las canciones, completando el discurso de la voz
principal. Armónicamente, y aun utilizando acordes comunes, innovaron mucho en
la forma de hacer sus progresiones (secuencias de acordes), convirtiéndose éstas
en un rasgo distintivo de su música.
4)  Rítmicamente
rompieron frecuentemente con la regularidad de las frases. Utilizaron mucho los
ritmo irregulares, las síncopas o los cambios de tiempo.
5)  Uno de los
aspectos más innovadores de la obra de los Beatles es el tratamiento individual
que le dan a cada una de sus canciones, haciendo de cada una un mundo aparte,
una entidad en sí. Ésto se logró gracias en gran medida a la originalidad de
sus letras: los Beatles no sólo eran buenos músicos, también fueron escritores
de letras sensacionales.

            Por último, no hay que olvidar que
la banda de Liverpool fue la viva imagen de su generación: el movimiento
hippie, las drogas alucinógenas, la psicodelia, la meditación trascendental de
la India, los movimientos juveniles, el pacifismo contra la Guerra del Vietnam,
etc. Todos estos elementos están en su música y de ahí que podamos afirmar que fueron
parte integral de la naciente cultura pop. Sin duda, su obra supone un hito en
la historia y su impacto ha trascendido las barreras del tiempo y el espacio
convirtiéndose en un verdadero icono, en una música  digna de estudio y admiración.